Prix et Récompenses

Cette page présente les prix et récompenses obtenus par les membres de l’Académie internationale de la céramique, qui célèbrent l’excellence, l’innovation et les contributions durables dans le domaine de la céramique contemporaine à travers le monde.	En raison de la croissance du nombre de membres et de l’augmentation du nombre de prix, cette page se concentre sur les récompenses obtenues au cours des cinq dernières années.

Prix et Récompenses 2026

Biennale de céramique de Gyeonggi
“Squaring the Circle.” (2025), quincaillerie en céramique, grès et métal. © Gyeonggi Museum of Contemporary Ceramic Art (GMoCCA)
Eliza Au – Prix d’excellence GCB Page membre Quadrature du Cercle est une installation céramique suspendue à grande échelle, composée de centaines de pièces de céramique individuelles. Ce travail reflète mes recherches sur l’ornementation et l’architecture des espaces sacrés, tels que les cathédrales, les temples et les mosquées.	Mon intention n’est pas de faire référence à une religion spécifique, mais d’attirer l’attention sur la composition commune de ces espaces, qui reflètent une disposition symétrique, radiale ou en grille. Ces dispositions sont couramment observées dans d’autres objets religieux, tels que les mandalas tibétains et les motifs de carreaux islamiques. En attirant l’attention sur cet aspect, j’espère transmettre que toutes les cultures et tous les peuples ont utilisé les motifs et l’architecture pour comprendre les concepts de divinité.

“The Bust” (2025), grès, émaux. © Korea Ceramic Foundation (KOCEF)
Yuriy Musatov – Prix d’excellence GCB Page membre Dans ma pratique sculpturale, j’explore l’altérité comme forme de présence au-delà de la perception humaine conventionnelle. Cette sculpture réinterprète le buste classique, en supprimant sa fonction traditionnelle de portrait. L’absence de traits du visage et de caractéristiques individuelles transforme la figure en une image généralisée de l’existence.	La forme reste reconnaissable comme humanoïde, mais résiste à l’identification comme humaine. Cela devient un vaisseau d’altérité, remettant en question la façon dont nous percevons et reconnaissons l’identité. Plutôt que de représenter une personne spécifique, la sculpture capture un état de présence au-delà de l’individualité et du temps. À travers la céramique, j’explore la frontière entre l’humain et l’inconnu, transformant le buste en un modèle abstrait d’existence.

6e Prix Officine Saffi
“iThwasa” (2024), faïence émaillée (enroulée à la main), vache.
Andile Dyalvane – Primo Premio Page membre iThwasa (Celui qui fleurit) (2024) fait partie de la série collaborative iNtwaso d’Andile Dyalvane et Nkuthazo Alexis Dyalvane, qui explore le voyage spirituel d’initiation pour devenir un « igqirha » (guérisseur traditionnel Xhosa). Le récipient incarne un état de devenir : un seuil entre l’héritage ancestral et l’expérience vécue, où la guérison commence par l’écoute, l’apprentissage et la transmission des connaissances à travers les générations.	Sa forme en céramique est ornée de poils de vache, de cuir et d’herbe, faisant référence aux insignes rituels portés lors de l’initiation et signalant une relation évolutive entre le corps, l’esprit et la communauté. Enraciné dans la cosmologie Xhosa tout en résonnant avec des expériences universelles de transformation, iThwasa positionne l’argile comme un dépositaire vivant de mémoire et de soins. Plutôt que de traiter l’appartenance comme une condition fixe, l’œuvre la comprend comme quelque chose continuellement cultivé à travers le rituel, la parenté et l’héritage partagé du savoir.

Ecdysis 6 (2024), porcelaine et différent émaux
Trude Westby Nordmark – Prix de résidence Guldagergaard Page membre Ecdysis 6 explore les « formes d’appartenance » à travers les capacités transformatrices de la porcelaine. Le titre fait référence à l’ecdysis, le processus biologique consistant à éliminer une couche externe pour permettre la croissance, servant de métaphore matérielle sur la façon dont les formes évoluent et se réorganisent. Ici, l’appartenance n’est pas une condition sociale, mais un état ancré dans la matière : une négociation entre les surfaces, les structures et les forces qui agissent sur elles.	La sculpture utilise une construction modulaire où chaque unité de porcelaine fonctionne comme une cellule au sein d’un organisme plus grand. Par la répétition et le rythme, ces modules forment des formations complexes et des couches de sens. La réactivité unique de la porcelaine, sa plasticité, sa fragilité et son retrait lors de la cuisson déterminent la façon dont ces unités interagissent. Leurs points de contact deviennent des lieux de transformation, faisant écho au moment où un organisme devient trop grand pour sa peau.

Jingdezhen International Ceramic Art Biennale
“Cycus Llamelae” de la collection The Seed Pod (2024), porcelaine. © Sylvain Deleu
Corrie Bain – Prix de l’artiste émergent Guozhong Page membre Mon travail explore la fragilité et la résilience de la vie, l’urgence de la crise climatique et la persistance des cycles naturels malgré l’interférence humaine. Il s’agit d’une traduction de systèmes biologiques en formes émotionnelles et conceptuelles, réunissant des céramiques sculpturales, des structures organiques et des idées entourant l’écologie et l’expérience humaine.	Il existe un courant politique sous-jacent plus profond dans ma pratique, qui devient de plus en plus explicite à mesure que je relie les fondements conceptuels de la série Seed Pod à des thèmes plus figuratifs et sociopolitiques, notamment le changement climatique, la migration et le deuil collectif. En fin de compte, chaque pièce devient une méditation sur la vie, la forme et la fragilité.

“Breasts” (2025),porcelaine, bois, caoutchouc, fil, métal
Ilias Christopoulos – Prix de l’artiste émergent Guozhong Page membre Seins La matière comme corps. La porcelaine comme peau. Dans Breasts, la matérialité parle – elle devient un vaisseau de mémoire, de féminité et de vulnérabilité. La porcelaine, fraîche au toucher mais éclatante de lumière, se transforme en une peau qui se souvient, en une surface qui porte des traces de présence et d’absence.	La forme du sein, archétypale et familière, surgit de la matière pour exprimer ce que le langage peine à retenir : la perte, la peur et la renaissance. La matérialité ici n’est pas seulement technique mais expérience : c’est le toucher qui guérit, la fracture qui révèle, la transformation qui donne du sens. À travers la porcelaine, l’œuvre devient un hommage à toutes les femmes qui ont vécu le cancer du sein – celles qui se sont battues, celles qui ont triomphé et celles qui ont laissé derrière elles la lumière. Le matériau, fragile mais éternel, devient le support à travers lequel la vie elle-même insiste pour être ressentie, vue et mémorisée.

Hollowed-out divinity (2025), porcelaine, acier inoxydable, axe optique, béton
Du Zhehan – Prix des artistes émergents Guozhong Page membre Cette œuvre fusionne la céramique et le métal, brisant la perception figée des symboles culturels. La « reconstruction » de la tradition est à la fois un hommage à l’histoire et sa déconstruction et sa reconfiguration.	Les effets de creux, de fissures et d’écaillage produits par les deux matériaux hétérogènes sur les statues des divinités symbolisent l’énergie et la tension libérées par les tranches de culture historique dans le contexte contemporain.

Breaking the Impasse – Yang (破局-玚) (2026), porcelaine et minéraux
Wang Ronghui – Prix des artistes émergents Guozhong Page membre L’argile céramique est l’un des premiers matériaux grâce auxquels les êtres humains se sont connectés au monde, incarnant les origines de nos expériences sensorielles, de nos pratiques artistiques et de notre culture matérielle. À l’ère du numérique, les progrès technologiques nous éloignent de plus en plus des connaissances sensorielles et des valeurs esthétiques ancrées dans notre relation avec la nature.	À travers une exploration du langage fondamental de la céramique, Breaking the Impasse cherche à remettre en question les conventions établies en matière de forme, de matériau et de technique, ouvrant un espace pour une rencontre plus directe et personnelle entre le corps humain et l’argile, une rencontre qui précède les normes et les attentes prédéfinies.

“Min Nong – Grain Illusion” (2025), poterie blanche, porcelaine, vidéo accélérée, planches de bois, acrylique
Weier Qiu – Prix Kaolin Page membre La série MinNong réinterprète le récit du poème classique Two Ballads of MinNong. Intitulée Grain Illusion, cette œuvre s’inspire du vers « Chaque grain vient d’un labeur amer ». En considérant le grain sous l’angle du travail, l’artiste reconsidère sa double nature, réfléchit aux difficultés agricoles et explore la dialectique entre la valeur du travail et l’effort futile.	Le cycle complet de culture du riz d’une saison agricole est traduit en 19 017 carreaux de céramique individuels, un nombre correspondant aux grains récoltés. Ces pièces de céramique élémentaires font écho au rendement de base des agriculteurs. Associée à des images documentant le travail ardu et prolongé, l’installation déroule une méditation sur un labeur répétitif et apparemment dénué de sens.


“Hold the Line !” (2026), impression 3D et porcelaine
Jørgen Frederik Scheel Haarstad – Kaolin Prize Member page I am an artist and musician. My artistic expression is particularly influenced by more than 25 years of working as a professional drummer.	In my artistic practice, I explore and experiment with ceramics as an audiovisual material. I use ceramics to create sound objects and to produce sound in visual performances. I search for the uniqueness and sound potential of each individual ceramic object by manipulating the movement of the objects to produce sound.

“Loop #18” (2025), grès émaillé
Huang Jing – Prix d’art Dowstone Page membre « Loop » est une série d’œuvres qui n’indiquent ni début ni fin, mais mettent l’accent sur le chemin sinueux lui-même. Au milieu de la dislocation et de l’ambiguïté de n’être ni ici ni là-bas, je m’ancre en retraçant mon passé et en m’inspirant du paysage de ma ville natale, Guilin, après un long départ.	« Loop » évoque le paysage et reflète mon respect pour mon passé, ma culture et ma tradition. Son titre chinois, « 回 », signifie faire un cercle, revenir, se retourner. Ce caractère pictographique représente la forme de l’œuvre et symbolise un retour au processus lui-même, célébrant ainsi mon identité, mon passé et ma culture.

27e Concours Mino Chawan
The Dancing Queen (2025), porcelaine cuite dans un four Anagama
Teck Heng Alvin Tan – Prix Or Page membre	La porcelaine a toujours été très prisée ; c’est une matière difficile à travailler, d’où le terme « Reine ». La cuisson dans le four anagama a déformé le bol, lui donnant l’allure d’une danseuse ; d’où son nom : « La Reine dansante ».


Prix et Récompenses 2025

Biennale internationale de céramique artistique d’Aveiro
« Jour de pluie » (2024), grès, porcelaine à l’oxyde, émail
Hanna Miadzvedzeva – Premier prix Page membre Cette sculpture s’inscrit dans un ensemble plus vaste, intitulé « Landscapes » (Paysages), au sein duquel j’explore la manière dont les conditions environnementales influencent notre perception et notre expérience physique de l’immersion dans la nature.	Dans cette œuvre, j’ai cherché à évoquer une journée grise et pluvieuse, où de lourds nuages planent au-dessus du sol, leur poids semblant presque tangible. Pour traduire cette sensation, j’ai associé une forme gonflée, rappelant un nuage, à de fines tiges, le tout doté d’une texture de surface singulière et libre, issue d’une technique qui m’est propre. Le corps de la sculpture est façonné à la main en grès, tandis que sa surface texturée est obtenue par l’application successive de petites gouttes de barbotine, préparée à partir de la même argile.

« Nature morte aux fleurs blanches » (2023), porcelaine non émaillée
Fernando Garcés – Deuxième prix Page membre Mon travail s’inscrit dans la tradition céramique, dans la simplicité de ses formes et dans une compréhension approfondie des matériaux et des techniques. À travers le travail de la porcelaine tournée, j’explore les possibilités expressives de ces formes essentielles, cherchant à transcender leur origine fonctionnelle pour leur conférer de nouvelles significations artistiques.	Dans “White Flowers Still Life”, je réinterprète la tradition picturale de la nature morte à travers une composition sculpturale. Le jeu des volumes, de l’ombre et de la lumière, associé à de subtiles variations de blanc, instaure un dialogue entre les objets et l’espace qui les entoure. La porcelaine non émaillée révèle les qualités naturelles du matériau, tandis que les techniques de poterie traditionnelles deviennent de nouveaux moyens d’expression artistique. Je m’intéresse au lien entre tradition et art contemporain, ainsi qu’à la capacité des formes simples à susciter l’équilibre, le silence et la contemplation.

63e Prix Faenza
« Novembre » (2024), grès
Hanna Miadzvedzeva – Prix Faenza « Plus de 35 ans » Page membre Il s’agit d’une sculpture issue de la série plus vaste “Landscapes” (Paysages), dans laquelle j’explore la manière dont notre perception de nous-mêmes évolue selon les espaces que nous occupons et sous l’influence de divers facteurs naturels. Pour moi, le paysage de novembre est associé à un état de vulnérabilité totale : les arbres se dressent, branches nues, face au vent ; on en vient à frissonner, avec l’envie de s’envelopper dans quelque chose de chaud et de doux. C’est le moment de se préparer à l’hiver, de puiser en soi une force intérieure et de faire des projets pour l’avenir.	La base de la sculpture est façonnée à la main en grès plastique. La texture de surface est obtenue par l’application de gouttes de barbotine, préparée à partir de la même argile. Une cuisson électrique est effectuée à 1250 °C.

« Rovine » (2024), terre cuite, porcelaine, verre, métal
Marta PALMIERI – Prix de la Chambre des députés Page membre « Ruins » émerge du silence et explore la ville en tant que mémoire fragmentée et archéologie du futur. Des structures en céramique et en verre, emprisonnées dans des enveloppes de terre cuite puis brisées, révèlent des formes au sein desquelles une nature nouvelle surgit parmi des incrustations et des stratifications de matériaux.	Une archéologie apocalyptique met en récit des espaces abstraits, symbolisant la détérioration de la communication et la transformation incontrôlée de la réalité, qui devient alors une métaphore de la perte et de la distance.

Ceramic Art Andenne 2025
“Floating Dream” (2025), porcelaine peinte
Velimir Vukicevic – Grand Prix Page membre	Je souhaite concevoir un objet qui possède sa propre formule et parle son propre langage, instaurant ainsi un dialogue qui n’existait pas auparavant.

Prix Loewe Craft 2025
“Sandcastle”, grès émaillé
Anina Major – Finaliste Page membre

« StopStone/TOMEISHI » (2024), grès coloré
Agnes Husz – Finaliste Page membre Condensée en une pierre unique, cette œuvre sculpturale aborde les dimensions spirituelles, rituelles et naturelles de la culture japonaise. S’appuyant sur son expérience du Chanoyu — la cérémonie du thé japonaise —, l’artiste mobilise des processus rythmés pour mettre en lumière la relation entre le soi et le monde extérieur.	Des plaques d’argile, étirées à la main, sont plaquées contre une planche puis compressées pour former un grand cube strié ; une extension de la tradition japonaise du Tomeishi, qui consiste à envelopper de ficelle des « pierres d’arrêt » sacrées afin d’éloigner les esprits malveillants. L’œuvre finale se présente comme un appel à faire une pause ; un « panneau d’arrêt » face au chaos et aux conflits violents qui marquent notre époque. L’artiste perçoit l’action méditative comme un baume pour l’âme, utilisant ce messager aux allures ancestrales pour favoriser la sérénité, par le biais de l’acceptation de soi dans l’ici et maintenant.

IX BICMA
« Air Turbulence » (2025), porcelaine peinte aux engobes et au papier transfert
Velimir Vukicevik – Grand Prix Page membre


Prix et Récompenses 2024

Compétition internationale de la céramique de Mino, Japon (13ème édition)
“The Kiln” (2021), clay, glaze, fragments of an electric kiln. Hand-building, 1280°C.
Ielizaveta PORTNOVA – Grand Prix Page membre “Cette œuvre est issue de ma série zoomorphe abstraite, que j’ai commencée en 2018. Dans les œuvres de cette série, j’utilise à la fois mes objets déjà réalisés et des objets d’autres auteurs. Parfois, je travaille à partir de chutes d’anciennes œuvres ou de morceaux de sculptures réalisées spécifiquement pour le projet. Dans l’œuvre “Kiln”, j’ai utilisé les fragments de mon four. Nous avons fabriqué ce four en 2002. Une fois, une pièce a explosé pendant la cuisson et a endommagé le four. À ce moment-là, le four avait effectué plus de 500 cuissons. Des fragments de four et d’éléments chauffants ont été incrustés dans cette œuvre.	L’objet original a son propre caractère et sa propre énergie. J’utilise ces données pour développer le matériau d’origine jusqu’à l’image finale. Ma tâche consiste à visualiser l’histoire de la transformation de l’objet original en une figure zoomorphe abstraite”. (Ielizaveta Portnova) –– Aujourd’hui, j’ai l’impression d’être une bête assemblée à partir des fragments du passé. Le passé est précieux mais douloureux. La guerre nous prive de notre apparence humaine. —

“Ruins from the future”
Marta PALMIERI – Prix spécial du jury Page membre

Biennale de la Céramique de Taiwan 2024
“Loop #12” by Jing HUANG (USA/China, IAC member since 2023)
Jing HUANG – Prix d’argent Page membre Loop” est une série d’œuvres qui n’indiquent ni début ni fin, mais qui mettent l’accent sur le chemin sinueux lui-même. Au milieu de la dislocation et de l’ambiguïté d’être ni ici ni là, je m’ancre en retraçant mon passé et en m’inspirant des premiers souvenirs du paysage de ma ville natale (Guilin) après un long départ. Loop” n’est pas seulement une représentation du paysage actuel ; elle reflète les sentiments de respect et d’appréciation de mon passé, de ma culture et de mes traditions. C’est un processus de recherche d’une compréhension plus profonde de mon identité et de mon expérience dans le monde.	Son titre chinois, “回”, a plusieurs significations en chinois : faire le tour, reculer, se retourner, revenir. Ce caractère pictographique unique représente non seulement la forme de l’œuvre, mais symbolise également le retour au processus lui-même, célébrant mon identité, mon passé et ma culture. (Jing HUANG)

5ème Prix de l’Officine Saffi
“The Twilight Landscape” (2023) by Hanna Miadzvedzeva (Belarus, IAC member since 2021)
Hanna Miadzvedzeva – Prix de résidence au Centre d’art céramique Gaya Page membre Ce travail fait partie d’une série plus large d’œuvres appelées “Landscapes” que je réalise depuis quelques années. Dans cette série, je dépeins mes sentiments à l’égard des lieux que je visite – nouvelles villes et régions, lieux naturels. J’aime particulièrement observer les nouveaux paysages d’un point de vue aérien, en les survolant en avion, lorsque les forêts et les champs alternent les uns avec les autres pour créer un motif texturé unique. La lumière et la nature de sa dispersion dans l’espace constituent également un aspect très important de ma perception de l’environnement. Le crépuscule est un état très spécifique où, dans un laps de temps assez court, il y a une transition transcendantale d’un jour lumineux à une nuit complètement noire.	J’ai entendu dire que cette période de la soirée est considérée comme la plus dangereuse pour les conducteurs en raison de ce que l’on appelle la “cécité crépusculaire”. Tout ce qui nous entoure semble enveloppé d’un velours gris – d’une part, cela crée un effet doux et apaisant, mais d’autre part, il y a un léger sentiment d’anxiété au fond de nous, parce que nous nous méfions toujours de ce qui est caché et non évident. C’est dans un tel état que même les lieux familiers semblent changer et commencent à être perçus comme différents, inexplorés et pleins de mystère. Pour traduire ma perception du paysage crépusculaire, j’ai choisi une forme incurvée et autonome qui semble cacher quelque chose en elle-même. La structure de la surface, appliquée en plusieurs couches avec des gouttes d’engobe de grès à l’aide d’une seringue en caoutchouc, crée un effet enveloppant, doux et même légèrement lâche. La couleur gris foncé de l’objet est obtenue en ajoutant des oxydes métalliques au grès. (Hanna Miadzvedzeva)

2e Concours mondial de théières en céramique
“SwanTeapot” par Swanica Ligtenberg
Swanica Ligtenberg – Prix d’Excellence Page membre Swanica entretient un lien spirituel avec la Terre-Mère, ce qui donne un sens à la vie. Elle aspire à instaurer l’harmonie à travers la création d’œuvres en céramique.	Son amour pour les engobes colorés et la gravure transparaît dans sa céramique engobée bleue, ornée de l’inscription « SwanTeapot ». – Découvrez mes créations en argile. –


Prix et Récompenses 2023

Biennale Internationale de Céramiques Artistiques d’Aveiro (17e édition)
“Balance in Red” (2023), thin plates composed of narrow strips of coloured bone China porcelain, fired in a stoneware mould, by Paula Bastiaansen.
Paula Bastiaansen – Premier Prix Page membre	Des éléments distincts qui se recherchent en rouge – un équilibre en mouvement continu et perpétuel.

Hidemi Tokutake – Second Prix Page membre « Grow » incarne la force tranquille de la nature qui pousse vers l’extérieur, couche après couche, souffle après souffle. Façonnée à la main et cuite avec des émaux superposés, la sculpture reflète les rythmes invisibles de la croissance, de la décomposition et du renouveau. Elle est à la fois un geste d’émergence et une méditation sur la vie cachée dans la terre. « Grow » capture la force silencieuse mais dynamique de la croissance organique. La forme est entièrement réalisée à la main, avec des marques de doigts intentionnelles laissées sur la surface pour faire partie de la texture, faisant écho au mouvement de modelage et à la présence physique du créateur. Inspirée par les structures botaniques et les couches géologiques, la pièce s’étend et se tord comme un organisme vivant. Au lieu de couches d’émail, un émail sec est appliqué directement à la brosse sur la surface, ce qui permet des variations d’épaisseur créant de délicats changements de ton, de texture et de tension. Ces fluctuations évoquent l’érosion, la sédimentation et les rythmes stratifiés de la nature. L’œuvre incarne un dialogue silencieux entre le contrôle et le hasard, l’émergence et l’érosion, la surface et la profondeur, une méditation sur les forces lentes et invisibles qui façonnent toute matière vivante.	“Grow” (2022), Hand-built , middle range , dry glaze, oxide stains, by Hidemi Tokutake.

Prix international d’art céramique Blanc de Chine 2023
“Connected” (2021), Porcelain de Limoges, 3% eggcarton, ceramic stains, by Tinne Debruijne. Photo credit: Olivier Demessemakers
Tinne Debruijne – Premier Prix Page membre CONNECTED: Mes sculptures naissent de mon intuition, façonnées par les courbes et les rythmes que j’observe dans la nature et les êtres vivants. Leurs formes sont à la fois sensuelles et abstraites, épurées dans leurs lignes générales, mais complexes dans leurs textures. Elles semblent bouger tout en restant immobiles, comme l’eau qui trouve sa forme parfaite l’espace d’un instant. Je souhaite que les gens ressentent l’envie de les toucher, de s’en approcher. L’œuvre doit susciter cette envie immédiate de la tenir et de l’embrasser, de la découvrir avec ses mains, et pas seulement avec ses yeux. « Connected » combine de la porcelaine de Limoges et 3 % de papier cartonné. Certaines sections sont colorées avec des teintures céramiques, puis cuites une seule fois à 1 280 °C.	Je commence par construire la forme générale à l’aide d’une technique de modelage au colombin, créant différentes formes qui fonctionnent comme de petites sculptures à part entière. Ensuite, je relie ces pièces de manière intuitive, en les plaçant dans un rythme qui semble naturel, comme si elles étaient faites pour être ensemble. Travailler avec de la porcelaine de papier me donne une grande liberté. Je peux tout remodeler, voire tout déchirer et recommencer à zéro si la forme ne me convient pas. Une fois la forme principale terminée, j’ajoute des lamelles fines comme du papier, une par une, rangée par rangée, en utilisant des outils dentaires pour les placer délicatement. Le papier crée une surface effilochée, semblable à du tissu, qui semble à la fois fragile et résistante. Mes pièces ne semblent jamais complètement finies. Elles restent brutes, délicates, imparfaites. Je suis toujours à la recherche de nouvelles textures qui s’intègrent à la forme elle-même, ajoutant des dimensions dont l’œuvre a besoin pour sembler vivante. Parfaite dans son imperfection, exactement comme elle devrait l’être.” (Tinne Debruijne)

“End, Begin” (2019), fabric dipped in slip, hand-built, by Ji Fan.
Fan Ji – Second Prix Page membre Ce travail s’intéresse aux micro-histoires inscrites dans la mémoire personnelle, traduisant des rituels domestiques éphémères en formes matérielles durables.	Les textiles, autrefois en mouvement constant à travers les gestes de pliage, d’essuyage et de lavage, sont reconstitués en céramique, leurs textures fossilisées en surfaces suspendues. Les gâteaux tissés, à mi-chemin entre réalité et fantaisie, fonctionnent comme des monuments temporels dédiés au travail non enregistré et aux résidus affectifs de l’expérience vécue. En figant ces gestes éphémères, l’œuvre invite à réfléchir sur l’impermanence de la matière et les couches intimes de la mémoire.


Marta Palmieri – Deuxième Prix Page membre Life Cliff 2 évoque des roches, des minéraux et des vestiges industriels à travers des formes brutes et irrégulières qui semblent porter les traces du temps. Les surfaces rappellent des formations géologiques, des fossiles et des vestiges archéologiques, tandis que les fissures et les fractures symbolisent des mouvements de la croûte terrestre, reflétant les tensions et les conflits qui façonnent notre planète. Ces formes abstraites suggèrent une vision de l’avenir dans laquelle la nature et l’humanité sont appelées à trouver un nouvel équilibre.	En associant l’argile et le verre au sein d’une composition fondée sur la stratification et la superposition, surgissent des fragments qui évoquent les ruines de villes contemporaines. Ces formes verticales et fracturées s’élèvent du sol telles des « vestiges urbains », insufflant une vie nouvelle à ce qui a été rejeté ou oublié. L’œuvre invite à une réflexion sur la relation entre forces naturelles et artificielles, soulignant l’urgence d’une interaction plus durable avec notre environnement.

Miho Yatsugi – Troisième Prix « Lorsque j’applique une pression avec mes doigts sur l’argile porcelaine fine et souple, celle-ci épouse la courbe de mes doigts. Je relie et amplifie ces courbes. Des vagues et des rythmes apparaissent. L’argile et moi nous guidons et nous poursuivons tour à tour tandis que nous créons la forme. » (Miho Yatsugi)	“surge” (2021), hand-building, reduction firing at 1250 degree, by Miho Yatsugi.

62e Prix Faenza
“Eclectic Paradise of Earth”, par Yves Malfliet
Yves Malfiet – Prix Faenza “Plus de 35 ans” Page membre Yves Malfliet évolue en réinventant constamment son travail à travers des créations ingénieuses et stimulantes. Son processus de travail de l’argile se caractérise par le recours à de multiples techniques qui forment un tout harmonieux.	La dimension intellectuelle de l’œuvre conduit à une exploration de notre société, et plus profondément de ses vestiges, à travers la fusion et l’effondrement apparent d’objets, rassemblés dans des boîtes où tout s’entasse, à la manière d’un bric-à-brac ou de détritus. L’œuvre investit l’intégralité de l’espace disponible (murs, table, sol) pour former une installation globale d’une grande originalité.

“Courtyard Twilight Series IV” (2022), par Bao Wei
Bao Wei – Prix Faenza “Moins de 35 ans” Page membre Les cercles concentriques évoquent un type d’architecture traditionnelle du sud de la Chine, symbole de la cohésion familiale. Une architecture qui disparaît sous la pression de l’urbanisation. Cette forme architecturale abstraite se transmue en une création céramique. La symbolique architecturale des cercles concentriques prend corps grâce à deux matériaux de construction fondamentaux : le bois et le loess (limon et argile).	L’œuvre relate la relation des peuples anciens avec la nature, leur survie grâce à leur sagesse, ainsi que l’équilibre entre l’homme et la nature. Science, technologie et coutumes populaires s’y rejoignent, témoignant de l’harmonie entre l’humanité et la nature.

Biennale d’art céramique de Jingdezhen 2023
“Untitled” par Maria ten Kortenaar
Maria ten Kortenaar – Prix Kaolin Member page

“You May Think You Are Alone…” par Jason Walker
Jason Walker – Prix Kaolin


Prix et Récompenses 2021

Compétition internationale de la céramique de Mino, Japon (12ème édition)
“Life” by Vilma Villaverde.	Vilma Villaverde – Prix d’argent Page membre “Life” : Récupérée après avoir été ignorée et enfouie, une pièce découverte dans la région de Shigaraki me parvient. Il s’agit d’un urinoir brûlé dans un four noborigama, qui avait été mis de côté et enterré. La céramique, matériau noble et durable, témoin de la persistance, s’est donnée à mes mains de potière pour être ramenée à la vie et reprendre son cycle de vie en œuvre d’art après cent ans. Renaissant en un nouvel objet, il se dresse comme le torse d’une femme brandissant le trophée d’or de la genèse. C’est une femme, comme c’est une céramique, symbole indicible de la fertilité. (Vilma Villaverde)


Biennale Internationale de la Céramique Coréenne / KICB (11ème édition)
Darien Arikoski-Johnson – Prix en Or Page membre “La conscience est liée à notre physicalité comme l’émail est lié à l’argile. Avec cette œuvre, j’explore la relation entre la conscience, la physicalité et la technologie. Les formes corporelles non représentatives influencent la taille et la forme des composants planaires qui y résident, reflétant la façon dont la physicalité affecte notre état cognitif. Les peintures scannées, qui font référence à des souvenirs, sont manipulées numériquement et rendues floues à la surface. La question est de savoir comment la technologie influence notre mémoire, notre perception et notre expérience du monde.” (Darien Arikoski-Johnson)	“Fragmented Framing” by Darien Arikoski-Johnson

“Homunculus LR” (2020), ceramic and glaze, slab building, by Cho Ming-Shun.
Ming-Shun Cho – Prix en Or Page membre “Les théières ne sont pas de simples objets, mais des épisodes. Alors qu’elles sont des objets fonctionnels statiques posés sur des tables, lorsque les gens les utilisent, le lien entre la matière organique et inorganique est enrichissant, car l’interaction génère de l’émotion. En préparant le thé, les gens découvrent un lien profond avec leur théière, qui s’apparente à la relation entre un homme et son animal de compagnie. Un lien étroit se crée dans l’union délicate entre une main et une poignée, liée par la chaleur de la vie dans la théière. Je chéris cette relation entre l’humanité et nos ustensiles.	Cette symbiose fait évoluer les caractéristiques d’une théière. Une théière et une main se combinent pour donner naissance à une nouvelle vie ; la main fait partie de la théière, et la théière fait partie de la main. Cette relation symbiotique est une nouvelle relation entre les théières et les humains ; ainsi, la théière a des pieds qui marchent et un mouvement émotionnel qui en font des épisodes temporels plutôt que des objets statiques.” (Ming-Shun Cho)


Biennale Internationale de Céramiques Artistiques d’Aveiro (16ème édition)
“Big Smile”, 42 x 40 x 21cm, stoneware and porcelain, oxide and pigments, by Ellen van der Woude.
Ellen van der Woude – Premier Prix Page membre “La nature est d’une importance fondamentale. Mes sculptures sont le reflet de mon observation attentive et de mon lien avec le monde naturel, sa résilience et sa fragilité, tout en reconnaissant les liens perdus entre l’humanité et la nature. Je rends hommage au monde naturel et j’espère rappeler aux gens de ralentir, de se reconnecter à la nature et de contribuer à sa conservation.	Travaillant de manière intuitive, je combine différents types d’argile et de porcelaine pour créer des sculptures imaginatives qui rappellent la vie sous-marine ou la flore florissante. Plutôt que de me fier aux émaux, je manipule les textures, je teinte les oxydes et je colore l’argile pour ajouter un intérêt visuel et tactile. Toutes mes œuvres sont fabriquées à la main, ce qui fait qu’elles sont toutes uniques. La série Big Smile a été créée après un long hiver sombre. Aspirant à la lumière et au soleil, je voulais créer quelque chose de plein de bonheur et d’énergie, quelque chose qui vous fasse sourire et vous rappelle toutes les bonnes choses que la vie a à offrir.” (Ellen van der Woude)

“ETA 24.06” by Marie-Josée Comello. © Eric Smeets – Fotografie
Marie-Josée Comello – Second Prix Page membre “ETA est une abréviation utilisée dans l’aviation et signifie “Estimated Time of Arrival” (heure d’arrivée prévue). ETA 24.06 fait donc référence à une heure d’arrivée fictive. Pour ce travail, je me suis intéressée au “Meantime”, le moment entre l’éveil et le sommeil, la zone crépusculaire entre le jour et la nuit. Cela fait référence à l’incapacité de retenir le temps, qui est insaisissable lorsque l’on veut le saisir.	Les recherches sur notre passé et notre avenir nous fournissent des connaissances qui nous permettent de comprendre notre place dans le temps et l’espace. Ma recherche porte sur la perturbation de ce savoir, à partir de la fascination pour les fragments ; je suis curieuse des parties absentes, des histoires encore inachevées et surtout du vide qu’un fragment porte en lui. Il s’agit de la frontière entre le connu et l’inconnu, la zone crépusculaire. Il y a le silence sur la ligne de partage des significations”. (Marie-Josée Comello)